蔷薇的葬礼

《蔷薇的葬礼》是一部关乎自我毁灭的电影。它向我们展现了上世纪日本跨性别的边缘年轻群体的世界，在这个世界里，绝望、爱与死亡构成了一种戏剧性的谵妄，这种谵妄的强度对于观众而言，实际上如同被施了迷魂药一般。 主人公Eddie，爱到绝望，美到扭曲。黑白粗粝的摄影效果中，Eddie黑而浓密的睫毛，精致的唇妆，微笑抑或言语，皆有一种隐秘而微妙的堕落美，恰如日本文化中的野菊花，美丽、端庄。他放肆地穿着女人的服饰，和同为异装癖的地下同性恋俱乐部的友人行走在东京的街头，毫不顾忌地走进男厕。那是日本的1969年，全共斗运动席卷日本新一代，年轻人渴望摆脱政治上的虚无。学生运动、反越战，一切已经垮塌，日本沉没，没有未来。那是Eddie，又何尝不是六十年代末日本青年的造像：颓废、恍惚、扭曲、荒唐。松本俊夫的镜头不过是对日本精神缺失的现实世界投去的最低限度的一瞥。 电影的镜头在不断的闪回、跳转之下逐渐拼贴出了Eddie不堪的过去：Eddie与母亲相依为命，对母亲有着极强的占有欲。他对母亲说，忘了那个男人，母亲大笑。当母亲有了别的男人后，他感觉一种被母亲遗弃的愤怒，于是他就把仇恨与暴虐施加在母亲身上。。。。。。自此，就如同神谕在他身上下了诅咒一般，Eddie万劫不复。和帕索里尼的电影《俄狄浦斯王》不一样的是，松本俊夫继承并颠覆了弗洛伊德有关“俄狄浦斯情结”的命题，Eddie的人设被定为弑母、与父乱伦。在影片末尾短短五分钟不到的时间里，剧情发生了颠覆性的反转：父亲权田意外发现了Eddie夹在《父亲的回归》的书里被烟头烫过的全家福，父子乱伦的真相昭然若揭。权田自刎，Eddie自戳双目。从他的眼里流淌出来的，是血，是泪，是一朵绝望至死的蔷薇从绽放走向枯萎的印证。这是蔷薇的葬礼，也是晦涩而扭曲的爱，惨烈骇人，凄美异常。他是伤人的剑，也是剑伤的人；他是刽子手，也是受害者。 这种由精神变态引发的冲破伦常的故事，特别容易对观众造成心理冲击波，但也恰恰说明，人类关心这类故事、命运和悲剧的下意识，正是指向着谋求一种满足和解释：它缘何如此发展，形成悲剧的社会原因何在？说到底，人是社会的人，人的本质并不是个人所固有的抽象物，在其现实性上，他是一切社会关系的总和。松本俊夫对非常态伦理文化的透视，把观众的关注点引向了一些边缘群体。不要否定，他们在城市里形成了一个不可渗透的小小的区域，那里藏污纳垢，产生和消化一切罪孽，自生再自食，沿一种不可理喻的规律循环。他们病中带痛地生活在大多数人的对立面，遭受着憎恶与排斥。其实电影更多地是隐喻了战后丧失了秩序、信仰和方向的年轻一代，性倒错、嗑药、对国家的不信任，自我的放逐，都是那个特定的年代的标志。 《蔷薇的葬礼》其作为实验性的先锋电影和上世纪六十年代电影日本’新浪潮’时期的发轫之作，其对索福克勒斯《俄狄浦斯王》这一悲剧的充满野心的改编，用近乎极端的方式挑战观众的感官，带着挑衅的高调直指同性恋和异装癖问题，也使得电影外的反传统主题意义远超电影情节，成为同类中独一无二的作品。无论是其极具争议的题材，还是先锋前卫的表现方式，这部影片都已经在日本电影史上留下了浓墨重彩的一笔。 而松本俊夫作为与寺山修司、大岛渚齐名的日本60年代独立电影三大支柱之一，直接推动了日本电影’新浪潮’的发展。从《蔷薇的葬礼》、《十六岁的战争》到《Ginrin》、《石油的起源》，松本俊夫一直保持着实验性的创作，这些作品也为观众提供了全新的感官体验。但精英化的前锋艺术与大众文化本身就有冲突，所以多数时间这些只是小众地生存在夹缝中。边缘艺术让大部分人望而却步，然而那只是表象，先驱者的思考将会影响一波又一波艺术创新领域的研究者和活动者。 诡谲的画面，前卫的艺术，这份坚硬晦涩令松本俊夫远离大众的艺术审美。但这份实验精神，也令人肃然起敬。

69年的日本同性恋题材影片居然可以做到如此惊世骇俗：四处游荡的意识流放肆的盛开在啤酒沫中，用快进和异常欢快的配乐将最常见的荒诞演绎成最捧腹的喜剧，像是剥削电影和粉红电影的畸形胎儿，交叉蒙太奇和倒叙的手法将悬疑气氛推向高潮，魔幻和神秘艺术共同营造了最为悲哀的乱伦故事。

品尝现实世界中的存在主义电影是半醉半醒的快感：有时像是穿插着纪录片的真实；有时明白告诉你这是影中影的秘密；有时候将众多的结局糅杂成色彩斑斓的面团先丢向你砸晕你，然后在你面朝天花板背接地气的迷糊时刻认认真真的将每一条色彩的缘由细细讲与你听。

片尾的刀子直直指向围观的群众，沾满了鲜血的刀尖明亮耀过在场任何一个人的眼睛。他们仅仅是围站在一旁，露出或是恐惧或是讥讽的表情，而更多的是什么表情也没有，仿佛只有看着别人的痛苦才能让他们麻木的生活找到一点可怜的存活感。捅瞎了双眼的男妓直直的站在那，就像是堵住了通向圣洁的那条本就是狭窄的小路，不给别人一点救赎的机会。

那些肌肤之亲没有丝毫的猥亵，甚至不带有做爱时那充满占有欲的狂乱和迷离。仅仅是轻吻，吻过另一个人全身的皮肤，用嘴唇去感知对方身体的温度和他的颤动，仿佛所有再熟悉不过的身体部位是一个巨大的漩涡将自己吸进去。黑白镜头下的情欲总是要比彩色的直白来的内敛，仿佛连欲望都来自旧时光，在岁月中学会了慢慢的欣赏和享受。

我是伤口，亦是匕首；我是受害者，亦是刽子手。

影片采访了许多同性恋人的心理活动，但只能让观众从支离破碎的过往中猜测男妓的心路历程。他的父亲不明原因的抛弃妻子，而母亲在寻欢作乐中慰藉人生，对尚且年幼的男妓关注甚少。开始发觉到自身欲望秘密的男妓被母亲所不齿，而羞耻和愤怒让他把尖刀刺向了曾想保护的对象。这成为了他成年后不断的白日噩梦，弑母的痛苦带着迷茫的本能痛觉仅仅揪住了他的心脏，只有荷尔蒙或药物带来的大狂欢才是些许绝望的平静。

写满语言的镜头在黑白色下时而扭曲时而狰狞，人们在虚无中寻找存在的意义，对现实的种种不满都以惩罚自我的方式发泄在了生活中，用带血的热情和坚定的信仰对抗社会的种种荒谬。有时觉得整个社会都像是一锅巨大的温水，慢慢煮掉了自己所有反抗的力量，然后变成这温水中的一份子，去消融下一个带刺的灵魂。

白蔷薇象征着纯洁的爱情，而这一群人既是嫖客与男妓的关系，又夹杂着男同性恋间躲躲藏藏的隐私，复杂程度早已不是简单的爱恋可以满足，而死去的男妓正是绝望的看清了这一点而选择了解脱。周身铺满的白蔷薇是他最终的夙愿，而恶毒的充满了酸味的诅咒让人忍不住发笑，直到它实现了的那刻才惊觉命运之怖。爱情，奇怪又可怕的命题，让人生让人死，让人心甘情愿的用最大的痛苦赎罪。蔷薇没能开出结果，凋零的花瓣撵落成尘，继续酿造下一批悲剧。

这是一部可以闻到的电影，鲜血的腥味、花朵的甜味、旁白的纸味、光影的酒味等等就像一波波海浪，冲刷着观影的人。浪过之后，浑身冰冷。

不知大家有没有听过华仔的一首歌，叫《马桶》。

“我的家有个马桶，马桶里有个窟窿，窟窿的上面，总有个笑容，笑人间无奈很多。每个家都有马桶，每个人都要去用，用完了以后，逍遥又轻松，保证你快乐无穷。”

华仔性感的声线诠释出关于马桶的惊悚废话，格外悦耳。

歌是不错，但用马桶创作像在玩火，和俗挂了钩。而日本有位影像大师，竟把马桶玩出了逼格，玩出了境界。

松本俊夫

Toshio Matsumoto

这位影响了库布里克创作《发条橙》，引领了日本新浪潮电影运动的艺术家，在此前介绍“鬼畜”之父伊藤高志的时候就有提到过，而刚说的马桶之作也让伊藤高志等一众艺术家入了影像的坑。

▲《新陈代谢（Metastasis）》1972

它叫做《新陈代谢》，名字倒是挺隐讳的。短短8分钟的影像，将马桶玩成了万花筒，格外skr。

除此之外，蒙娜丽莎也难逃他的法眼，1973年，这个没有PS的年代，名画里的蒙娜丽莎被他抠进作品里，仿佛只是将马桶换成了蒙娜丽莎，五彩斑斓的灯光，犹如蒙娜丽莎放飞自我在夜店。

▲《蒙娜丽莎（Mona Lisa）》1973

看似“恶搞”，实际是有着自己独特的美学风格。

要知道，他既是日本新浪潮电影运动的主力军，又是60年代日本独立电影的弄潮儿，与大岛渚齐名，同寺山修司比肩，日本电影史最生猛的那几年，没他不行。

日本电影新浪潮

▲《青春残酷物语》1960

日本新浪潮运动与法国新浪潮，波兰电影运动几乎是同时进行的。

而“新浪潮”一词最早出现在20世纪60年代初的法国，说的是一群青年导演反对体制，挑战权威，企图引领不同的电影风潮，以弗朗索瓦·特吕弗的《四百击》和让-吕克·戈达尔的《筋疲力尽》为起点的电影运动。

▲法国新浪潮运动下的实践者们

法国与波兰电影运动的盛行，同时影响了日本电影界。

60年代初，日本由于电视的兴起，电影工业效益很不理想，新东宝电影公司也宣布破产，大制片公司也都萧条衰弱，因此新浪潮导演不得不进行独立制片。

▲爱看日影都该知道的东宝

同时在当时政治背景下，日本与美国签署了安保条约，日本民众特别是大学生的反美情绪高涨。

▲1960，时任日相岸信介（左）和时任美国国务卿霍特签订条约。

年轻人对日本政府做法表达强烈的不满，在政治上表示极度失望。而新浪潮导演又都是从这帮大学生，年轻人中产生。

▲大学教授与学生组团示威

因此，种种原因导致日本新浪潮运动的必然发生。

日本新浪潮又叫“松竹新浪潮”，是因为年轻导演主力阵容均来自同一家电影公司——松竹电影公司。

▲大岛渚

1959年大岛渚作为旗手，逢《爱与希望之街》公映后，在反对传统电影体制下，还加入了对当今社会，政治层面的批判与探讨，开启了日本新浪潮运动。

▲《爱与希望之街》

此后，松本俊夫、吉田喜重、筱田正浩、寺山修司、铃木清顺、今村昌平、增村保造等年轻导演纷纷加入新浪潮的行列。

这些牛鬼蛇神可都是不好惹的，而其中寺山修司和松本俊夫的身份更为特殊。

我是伤口，亦是刀锋

▲寺山修司

狭义的日本新浪潮是1959到1961年，仅3年寿命，广义的日本新浪潮则是以1983年寺山修司的去世为终结。

寺山修司与松本俊夫共同的特殊点，既是电影人，又同为实验影像，独立电影艺术家。

▲松本俊夫

松本俊夫一生仅执导4部长片，《蔷薇的葬礼》，《脑髓地狱》，《修罗》和《十六岁的战争》，量少而质精。

在《电影的变革》中，松本俊夫总结，“艺术必须对抗政治现状。”

▲《蔷薇的葬礼》1969

他在1969年执导的《蔷薇的葬礼》是日本首部讨论同性恋和异装癖文化的作品，被称作日本新浪潮先声之作，同时也是ATG的开山之作（ATG是活跃于上世纪60到80年代的日本先锋电影制作公司）。

▲《蔷薇的葬礼》1969

它改编自古希腊戏剧《俄狄浦斯王》，是关于一代君王俄狄浦斯王为逃避弑父娶母的预言与命运抗争的悲剧故事。

松本俊夫则将这个古老神话搬到现实舞台。

▲《蔷薇的葬礼》1969

同性恋少年艾迪是异装酒吧的头牌，与酒吧老板偷情，老板娘因被横刀夺爱而自杀，艾迪在最终发现，酒店老板原来是自己的亲生父亲，最终自戳双目，陷入无尽的深渊。

▲《蔷薇的葬礼》1969

“我是伤口，亦是刀锋”是片头引用的波德莱尔的诗句，其指艾迪。弑父娶母变为弑母恋父，两性关系改成同性爱恋，本身就很“新浪潮”。可松本俊夫除了在剧本上下功夫，还结合自己的实验影像经验，用极其前卫先锋的拍摄手法，让电影得以升华。

▲《脑髓地狱》1988

另一部《脑髓地狱》也赚足了噱头，《脑髓地狱》原著被誉为“日本四大推理奇书之首”，是日本作家梦野久作倾尽毕生心血撰写的作品，在松本俊夫之前，无人敢挑战这部奇书，而他却用15年时间做到了完美消化。

▲《脑髓地狱》1988

但自70年代后，松本俊夫便专注于实验短片，独立影像的制作。

日本实验电影第一人

▲《银轮》1955

其实在新浪潮之前的1955年，松本俊夫便确立了自己为日本影像艺术的开拓者身份。

其当年创作的实验短片处女作《银轮》被称为日本最早的彩色实验电影。神奇的是，这只是给日本自行车协会拍的广告片。

▲新浪潮时的阿伦·雷乃、阿涅斯·瓦尔达、雅克·德米（左起）

早期其作品没有拼贴式镜头，但在看到阿伦·雷乃的《格尔尼卡》之后，松本俊夫深受启发，于是拍摄出了《西阵》（1962）以及《石之诗》（1963）等记录影像，开始运用拼贴式镜头拍摄了诗意下的纺织，石材厂。

▲《西阵》1962，《石之诗》1963

70年代后，他先后制作了《新陈代谢》（1972）、《Atman》（1975）、《气=Breathing》（1980）、《伪装LES》（1992）等崭新的实验短片，后被人称之为日本实验电影作家第一人。

▲《Atman》1975

1970年的大阪世界博览会（Expo’70 Osaka）是日本录像艺术创作的重要拐点。因为这次世博会关注艺术与技术的融合，艺术家们被鼓励采用新的媒介去进行艺术实践。

▲“视频广场”成员在索尼大厦，东京，1972

因此艺术家们开始行动，于1972年一个叫“视频广场（Video Hiroba）”的组织成立，这是日本录像艺术史上的一个里程碑。

“视频广场”存在的目的，是以低廉价格出租摄像机等设备，共一些热爱电影，8mm胶片的普通人去创作艺术作品。松本俊夫则作为元老级人物游走于包括“视频广场”的各个组织。

▲《新陈代谢》1972

同年6月，松本俊夫在另一个录像艺术组织“视频地球”制作了三部彩色录像作品——《新陈代谢》（Metastasis），《自治》（Autonomy）和《扩张》（Expansion）。这些作品探究了录像艺术称之为“数据色彩系统”的表现潜力。

▲《色即是空》1975

2017年4月12日，松本俊夫病逝，享年85岁。

今天，包括伊藤高志在内的许多日本影像艺术家都视他为精神支柱，延续着其浓烈前卫的创作风格，

▲《幻影》1975

松本俊夫曾说过：“电影变得像电影一样就是它的局限性。它正在自己步向死亡。”

前人早悟透的问题，延续至今依旧明显，人们需要自省，需要改变，我们这代人是幸运的一代，也是尴尬的一代，但不至于为垮掉的一代。

大家可都是追逐潮流的新新人类，极富创造力的一帮年轻人。

相信不久的将来，鬼畜视频也可以作为艺术品展出，人人都可以用马桶玩出万花筒，属于我们的新浪潮运动不是正在进行吗？

▲《色即是空》1975

—End—

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1、想要了解东方古典文化，可以去日本；想要学习西方现代文明，也可以去日本。纵向的继承，横向的移植，日本都做到了极致，古典与现代在日本得到了完美的结合。 2、放眼全球，能把极度的单纯与极度的变态集于一身的，只有日本人可以做到。这些在日本的电影里都有体现，或者天然萌如清水芙蓉，或者变态得直指人心。前者如小津安二郎，目光向上，人性美好的一塌糊涂；后者如今村昌平，目光向下，书写蛆虫，至死方休。 3、日本的电影，在整个20世纪，都是亚洲电影的龙头，无论数量，还是艺术水准，都远高于亚洲其他国家。对人性的探索，对人内心幽微之地的挖掘，更是无国能及。中国的很多导演，都从日本导演那里偷师学艺，像侯孝贤之于小津安二郎，张艺谋之于黑泽明。 4、还有一点不能不提，日本的床上动作片，造福了一代又一代的中国屌丝，对中国的性教育事业起到了不可估量的作用。 5、依照惯例，选片子，先选导演。我最喜欢的日本导演有：今村昌平；松本俊夫；寺山修司；小津安二郎；吉田喜重；园子温；实相寺昭雄；若松孝二；大岛渚；汤浅政明；中岛哲也。 6、本片单推荐的日本电影，始于1949年的《晚春》，止于2014年的《0.5毫米》，时间跨度65年，入选导演51位，电影佳片100部。 7、对于日本电影，我其实最想说的是：我的观影量还远远不够。 话不多说，片单如下： 1、今村昌平5部：楢山节考；诸神的欲望；日本昆虫记；猪与军舰；复仇在我 2、吉田喜重5部：女人之湖；水书物语；英雄炼狱；秋津温泉；女优的告白 3、宫崎骏5部：幽灵公主；龙猫；千与千寻；天空之城；哈尔的移动城堡 4、寺山修司4部：死者田园祭；抛掉书本上街去；再见箱舟；上海异人娼馆 5、小津安二郎4部：东京物语；晚春；秋刀鱼之味；麦秋 6、园子温4部：爱的曝光；冰冷热带鱼；神秘马戏团；纪子的餐桌 7、松本俊夫3部：蔷薇的葬礼；脑髓地狱；修罗 8、实相寺昭雄3部：曼陀罗；D坂本阵杀人事件；无常 9、若松孝二3部：无水之池；墙中秘事；联合赤军实录-通向浅见山庄之路 10、大岛渚3部：感官世界；青春残酷物语；日本春歌考 11、高畑勋3部：百变狸猫；岁月的童话；我的邻居山田君 12、沟口健二3部：雨月物语；西鹤一代女；山椒大夫 13、北野武3部：菊次郎的夏天；花火；坏孩子的天空 14、三池崇史3部：杀手阿一；拜访者Q；切肤之爱 15、岩井俊二3部：情书；燕尾蝶；梦旅人 16、中岛哲也2部：被嫌弃的松子的一生；告白 17、黑泽明2部：罗生门；七武士 18、成濑已喜男2部：女人步上楼梯时；情迷意乱 19、内田贤治2部：遇人不熟；放课后 20、是枝裕和2部：无人知晓；步履不停 21、新藤兼人2部：裸岛；鬼婆 22、高桥伴明2部：禅；东京新爱人 23、今敏2部：千年女优；红辣椒 24、蜷川实花2部：花魁；狼狈 25、原田真人2部：涉谷二十四小时；狗神 26、汤浅政明1部：心灵游戏 27、合田经郎1部：可玛猫 28、石井岳龙1部：梦幻银河 29、今石洋之1部：落叶 30、泷田洋二郎1部：入殓师 31、深作欣二1部：大逃杀 32、冈本喜八1部：大菩萨岭 33、小林正树1部：切腹 34、敕使河原宏1部：砂之女 35、五社英雄1部：薄化妆 36、市川昆1部：细雪 37、相米慎二1部：台风俱乐部 38、竹中直人1部：东京日和 39、押井守1部：攻壳机动队 40、伊丹十三1部：蒲公英 41、山田洋次1部：黄昏的清卫兵 42、山下敦弘1部：天然子结构 43、降旗康男1部：魔之时刻 44、蜷川幸雄1部：蛇舌 45、广木隆一1部：东京垃圾女郎 46、大庭秀雄1部：雪国 47、西河克己1部：伊豆的舞女 48、安藤桃子1部：0.5毫米 49、小泉尧史1部：阿弥陀堂讯息 50、川尻善昭1部：兽兵卫忍法帖 51、塚本晋也1部：铁男 看过5000部，推荐100部——百里挑二 看过5000部，再推100部——华语电影篇 看过5000部，四推100部——法意德电影篇 看过5000部，五推100部——欧洲电影篇 看过5000部，六推100部——美国电影篇 看过5000部，最后100部——小国电影篇

A masterpiece. Among all Japanese films that I have watched, ATG films always deeply intrigue me. Mastumoto certainly attempts to create a conflict between two poles, such as the avant-garde and the documentary as the reading suggests. Before entering the discussion of his combination of different genres (or even beyond the traditional-defined film medium itself), I want to briefly discuss this dichotomy embedded in this film. The film starts with a poem claiming one person as both wound and knife, both victim and executer. This dichotomy is settled at the very beginning of the film. Later around 4:22, Gonda and Eddie are placed on two opposing side of the screen, showing this dichotomy again. This also indicates the paternity conflict. The imagery of rose is also two-sides. On one side, it is extremely attractive and beautiful. On the other hand, it hurts people who hold it. This reminds me the Marxism theory of synthesis. The conflict between thesis and anti-thesis will create a new synthesis which is higher than the original thesis-antithesis level. This motivates the social progress. The new synthesis will become the new thesis, seeking a conflict with its anti-thesis. As Matsumoto is very aware of the past major film theories, (I really love the quote from Mekas) it is also possible that he learned the writings from Sergei Eisenstein or Dziga Vertov, who highly borrows from Marxism. Therefore, the concept of surrealism and seeking higher truth may also be connected to the concept of “eye” attributed to camera. Vertov’s work “Man with a Movie Camera” definitely demonstrates this idea. Therefore, the foundation of the documentary-side in “Funeral Parade of Roses” may originate from it. However, as the prompt suggests, this film also aggregate so many other genres or even elements beyond cinema to construct a deeper truth. From my perspective, this practice may compensate the innate disadvantage in documentary genre itself.

It is easy to firstly identify the documentary-side elements in this film. This film uses a lot of non-professional actors and actresses, mitigating the illusion of real from the sense of acting. The audiences will be more persuaded by its narration. Also, when the assistant yells out “Cuts,” audiences are aware of the fakeness of this narration, cancelling the illusion as well. The following interviews on either the cast or some random passers-by are also elements of documentaries. They are revealing their personal feelings of the plots, their identities, their dreams and their living conditions. These are not mingled with the narration part (or melodrama part, which will be discussed below) because such information is given purely orally by these people. There are no direct reproductions through images. Furthermore, the response or adaptation from the current events, such as the students’ riots, the wars and even the film posts on display, actively enhance the sense of the newsreels, which could be considered as the early form of the documentary.

However, a significant problem in the documentary-end is the unreachable truthfulness. The editing and the montage inevitably create new meanings instead of faithfully demonstrating the happenings that “once have been there.” Many documentaries, even in early periods, are proved to contain false information or overabundance of propagandistic messages. Robert Flaherty's “Nanook of the North” exaggerates the wilderness of the residences and invents many scenes. The camera perspectives and montages from Leni Riefenstahl’s “Triumph of the Will” certainly glorifies the image of Hitler. Therefore, it is impossible to achieve this superficial level of truthfulness because of the innate cinematic languages. Then, Mastumoto attempts to achieve a deeper sense of truthfulness in the unconscious level. Memories, or sense of memories, may facilitate this practice. The pieced images could become analogies for audiences to recall or recollect, from their daily viewing of different films or even other medias. There are two threads of this adding-up: referring to previous dominating genres that people are familiar with, then exploring the future possibilities of the cinema itself through style of “avant-garde” (manipulating time and borrowing from installation art and television).

For the first thread, Matsumoto clearly refers to melodrama, slapsticks, and some aspects of Jidai-Geki through many devices. The core of the plots still shows the sense of melodrama, even its editing skills are avant-garde. The essence of the scripts for the narrative part demonstrates a clear pattern of Eddie’s whole life, while the audiences need to paste all the parts scattered around together. Several photographs show him as a baby. After his father left, his personalities start to change. He uses make-up. When he uses lipstick, his mother beats him. He witnessed his mother meeting another man. He kills both of them. He then works in a bar, causing a typical triangle between him and Gonda and Leda. Finally, all three are dead. This kind of love affairs and struggle is typical for most melodramas, only the characters are more complicated than the normal examples. This familiar structure from a familiar genre will mitigate the sense of pioneer which may frighten the audiences, making this film more acceptable. The abundance of sex depictions also reminds the audiences the pink films as well, which becomes a powerful advertising device to appeal to the audiences, enlarging the span of its potential targeted viewers. The camera shows all different angles of the naked bodies, with many close-ups. This may clearly recall the pornographical aspects of the pink films. In addition, the reference to slapsticks also create this sense of amusement and entertainment, relaxing the audiences from the more serious and uncanny avant-garde parts of the film. In many fighting scenes, Mastumoto accelerates these shots and uses very simple and delighting background music with quick tempos. This quickly connects to the Hollywood slapsticks such as Keaton’s or Chaplin’s work. This play of time is harmonious with the more avant-garde style of manipulating time. However, it is more familiar to the audiences, replacing this work together to the stream of all the past masterpieces. In one shot, Eddie and Guevara lean on the walls that is full of Pasolini’s film “Edipo re”. They both have the theme of killing fathers. This is also a device of linking this film to previous works in more clearly genres. Finally, from 37:49, the background music for the quarrel between Gonda and Leda are traditional Japanese theatrical music. In this scene, Gonda is dominating the fighting against Leda and kicking him, showing the sense of male chauvinism. Utilizing the traditional instruments for the music here links to the genre of Jidai-geki, which are mostly adaptations from histories or traditional theatres. This genre here seems to ironically criticize the traditional Japanese patricentric culture.

Furthermore, this film also has lots of avant-garde elements. Among those numerous examples, two significant parts are the manipulation of time and the mediums beyond-cinema. Isami’s response has already clearly analyses the relationship between this film and Godard’s jump cuts. Therefore, I will not repeat this argument. There are many repetitively used shots placed in different places of the film. Sometimes they seem to show a continuity in narration, while some of them appear as the hallucinations or dream of Eddie. His memories and dreams contribute this manipulation of time. There are also many moments that the audiences could feel the sense of omens from the objects. After the scene showing dead Leda, there are two dolls on the ground. One of the dolls has a needle pinned on the neck. Another doll’s two eyes are both pinned by the needles. At the end of film, the deaths of Eddie and Gonda clearly revive this pattern. Gonda kills himself by cutting his neck, and Eddie tears his two eyes. This seems to be a De Ja Vu. This manipulation of time is significant for the seek of the deeper truth. One specific aspect of dream is that people do not know the beginning and the ending. The jumps cuts and repetition clearly imitate the similar sense of dreams and deeper memories. Therefore, the memories of Eddie are scattered around the film and freely connected. Finally, as the Mekas’s saying that “all definitions of cinema have been erased, all doors are open now,” this film also aggregates many other art forms. The scenes in the galleries showing the paintings of masks are linked to the gallery-environment. The scene depicting seven naked males’ backs with one rose thrusted in one’s butt clearly creates the sense of action arts or happenings, which is a widely used art form during this period in response to the wars and nuclear horrors, such as Yoko Ono’s “Grapefruit” and “Cut-pieces.” The reference to this new wave of art reforms could intensify this film’s connection with its contemporary political issues. Finally, television dominates many scenes in the film as well. The Eddie’s group gathers around to watch the television. The news of detecting drugs is also delivered through the form of television program. Therefore, this film seems to break the boundaries of instantaneity of cinema, which the audiences merely stay in theatre with darkness for two hours. The television, a familiar medium that represent the audiences’ daily routines, seems to arouse more perpetuating senses for the audiences. This generalization also represent the accumulation of the audiences’ or the characters’ unconsciousness or memories, because people will receive the news and understand the worlds through watching cinemas.