1 ) 让传统艺术“复活”,他们这样做
艺术具有多样性,这是一直以来大家都遵循的一个点,在多样性的面前,艺术才有焕发出来勃勃生机的可能性。一旦艺术局限于某种单纯的表达之后,艺术也就死了,除了技术上的革新之外,艺术在表达之上便不再具备突破的可能。然而这个道理大家都知道,事实上去做的时候却很难具体实施。我们需要的是艺术具有多样性,然而却没有人敢于站出来呼喊一声。今天给大家推荐影片《篷车队》就用一种实际行动的方式印证了艺术的多样性,这是一种证明,同时也是一种鼓励,鼓励那些追求艺术多样性的人,鼓励那些对于艺术多样性有着追求的人。《篷车队》讲述了一个穷途末路的电影明星希望能在百老汇的舞台上东山再起,然而实际上却面临了另一种尴尬。导演需要排一出莎士比亚经典的舞台剧,然而对于这位曾经的电影明星来说,这样的舞台剧限制了他的发挥,因为不会芭蕾舞表演,他原本的表演也无法正常发挥。愤怒之余,这位电影明星怒斥了导演的循规蹈矩,愤而离席。被电影明星所批评的一个女演员收到嘱托来代表所有人给这个电影明星道歉,然而在交流的过程中,电影明星逐渐的理解了所有人的苦衷,他甚至跟这个自己原本并不喜欢的女演员建立了某种暧昧的关系。于是,电影明星重新回到了剧组,并开始了自己的表演,然而事实却很难回避,这出戏剧失败了,失败的原因是没有新意。剧组的所有人重新回到了沮丧的情绪当中,电影明星见状突发奇想,我们可以根据自己的兴趣来重新编排一部舞台剧,我们无需遵循经典,不用沿着原有的舞台剧的框架来编故事,是不是会更好,众人被这个想法惊呆了,且很快的纷纷称赞遵从,于是,一出别具一格的舞台剧开始了自己的巡回演出,再进行了很多次大获成功的巡演之后,这出舞台剧被认为是成功的。电影明星的思路也得到了大家的认同,原本濒临解散的剧组也重获新生。《篷车队》带领着我们品味的是经典,与此同时,它的戏中戏的内容也在预示着舞台剧在上世纪的发展脉络。原本的舞台剧遵循的是经典的名目的不断地演出来获得声誉。然而在电影事业不断发展的上世纪五十年代,舞台剧逐渐的没落了,没落了的舞台剧不再能撑得起原本属于自己的观众群体,于是,如何创新,如何才能更好的留住观众这成了每一个剧组的负责人需要考虑的问题。本片给出了一种思路,这种思路之下,是将原有的舞台剧与电影相融合,使之不再遵循着原有的经典框架讲故事,而是跳出了这个框架之外再去看看有没有别的可能。这首先是在故事的编撰之上的一种创新,这种创新使得舞台剧原本的严肃的氛围被打破。电影明星原来被要求出演的是莎士比亚的经典戏剧,虽然这是一出经典喜剧,但是要想带给观众不一样的东西实在是太难了,对于一帮照猫画虎的人来说,这种困难一方面牺牲了自己的优势,另一方面将自己的劣势和盘托出,这样的表演很难获得成功。而改良后的整个剧组演绎的是自己的故事,是自己即兴的故事,这种故事很大程度上来源于演员们自己的生活,这种来源就决定了演员们在出演的时候是可以做自己的,是可以用自己最舒服的方式或者最适合的表演来诠释内容,这样一来,演员们的发挥就很开放了。而舞台剧本身也就不拘一格了,这对于演员来说是好事情,这对于观众来说亦是如此,因为没有了参照物,看到的是新鲜的故事,观众们对于好坏的评断就没有了依据,演员们的发挥就不受任何的影响了。当然,质量依旧是基础,但是在开放的创作形式之下,我们所看到的都是各种新鲜的血液不断地融入到舞台剧中,不断地丰盈着舞台剧的形式,这对于一个经典的艺术表达方式来说是促使其不断成长的动力,这当然是一种不错的思路。因此,《篷车队》作为一部上世纪五十年代的影片,它所具备的核心观点就是如何让传统的艺术形式焕发出来新的生命力,答案就是不拘一格,这不仅仅是对于舞台剧来说,更是对于任何形式的表演而言的。当我们开放包容本着一颗接纳吸收的心来对待艺术的时候,我们的艺术形式就是生机勃勃的,相反,如果我们将艺术归结于某一种固定的类型且一次作为约束的时候,创作者为了获奖便不住的朝着这个固定的形式发起冲击,这对于艺术而言是一种灾难。然而今天的很多创作者们却乐此不疲,这无疑是一种讽刺。 2 ) 歌舞片不能只有歌舞
可谓是阿斯泰尔对自己摇摆舞演艺事业的轻松调侃。遗憾在于故事松散,欠缺主要冲突,和缺少高潮,缺少将焦点人物逼入绝境只能二选一的高潮。男女主人公对于舞蹈形式分歧的解决过程过于轻松,甚至令人忽视了它的事件困境作用。奥斯卡黎凡特在《一个美国人在巴黎》中展示出的钢琴技巧也没有机会体现。一个充满天赋的制作班底,本能成为令影片从合格到杰出的保证,但仿佛半开水似的故事结构实际令它看上去就像一座冰山,只有1/8的天赋露出了水面。
3 ) [Film Review] The Band Wagon (1953) 7.9/10
Forget about AN AMERICAN IN PARIS or GIGI, this is “the” genuine chef d’oeuvre of a Minnelli musical.
Forget about AN AMERICAN IN PARIS (1951) or GIGI (1958), this is“the” genuine chef d’oeuvre of aMinnellimusical, THE BAND WAGON is a glittering meta-pomp jauntily fights its corner for the middlebrow fluff over the highbrow pretension, not to mention it is where THAT’S ENTERTAINMENT! standard derives from.
An over-the-hill screen star, is given an opportunity to headline a Broadway musical to resuscitate his ebbing career, if the protagonist were a woman, the film would be Billy Wilder’s downbeat elegy SUNSET BLVD. (1950), but thanks to the showbiz’s ingrained double-standard, for a nimble-footed Tony Hunter (a 54-year-old Astaire), everything is rosy and eventually he is able to have his cake and eat it too! (actualizing a consequential comeback and simultaneously winning over the heart of his much younger leading lady.) However, enveloped in his aw-shucks and avuncular bonhomie, he is fortuitously accorded with a laissez-passer.
Creative license is put into comical use through the character of an omnipotent triple-threat Jeffrey Cordova (Buchanan, flip but nevertheless, an able hoofer), a very persuasive producer, a conceited director and a grandiloquent luvvie, who has been on a tear in Broadway and idiosyncratically decides to transpose the show's fluffy original material into a boundary breaker, viz. a musical reinterpretation of Faust. Everyone has to humor him on the strength of his clout, only a disastrous tryout can drench him out of his airy-fairy excess. Thankfully he ekes out enough alacrity to let theself-knowledge-savvy Tony resumes the rein henceforward, and the movie's money shots transpire in a stringof pluperfect musical numbers, including the ingenious, knee-dancing ditty “Triplets” (Astaire, Buchanan and a sparkling, corn-fed Nanette Febray, who is particularly reminiscent of Astaire’s quondam partner Ginger Rogers), and is topped off by the entrancing“GIRL HUNT” ballet pas-de-deux between Astaire and a voluptuous Cyd Charisse in her crimson sheath dress, against a modern noir-ish scenography.
Endowed with a game and nimble cast (themonkey wrench in the works is a stooped Oscar Levant, often looks uncooperative and miffed on the sideline), THE BAND WAGON is a passé romance, lukewarm comedy but a sterling musical production, beaming with gems composed by Arthur Schwartz and Howard Dietz, choreographed by Michael Kidd, both ocularly and aurally, this first-time reviewer is stock-still bewitched with a waxing smile at the corner of his mouth.
companion pieces: Minnelli’s AN AMERICAN IN PARIS (1951, 6.2/10);Stanley Donen and Gene Kelly’s SINGIN’ IN THE RAIN (1952, 8.1/10); Mark Sandrich’s HOLIDAY INN (1942, 7.1/10).Forget about AN AMERICAN IN PARIS (1951) or GIGI (1958), this is“the” genuine chef d’oeuvre of aMinnellimusical/
4 ) 金牛座艺术家 弗雷德阿斯泰尔
弗雷德阿斯泰尔,有着金牛座的固执 坚持 和天生的艺术细胞 !不同于吉恩凯利的踢踏舞,弗雷德阿斯泰尔青年时期学过华尔兹 探戈。 他总是结合多元形式创新舞步。 老年的时候他说如果当年他有脚踏板的话,他会为观众带来更多精彩的表演。 尽管他个子不是很高,跳舞的时候他很轻柔 完全能够承受住女伴。
5 ) 让传统艺术“复活”,他们这样做
艺术具有多样性,这是一直以来大家都遵循的一个点,在多样性的面前,艺术才有焕发出来勃勃生机的可能性。一旦艺术局限于某种单纯的表达之后,艺术也就死了,除了技术上的革新之外,艺术在表达之上便不再具备突破的可能。然而这个道理大家都知道,事实上去做的时候却很难具体实施。我们需要的是艺术具有多样性,然而却没有人敢于站出来呼喊一声。今天给大家推荐影片《篷车队》就用一种实际行动的方式印证了艺术的多样性,这是一种证明,同时也是一种鼓励,鼓励那些追求艺术多样性的人,鼓励那些对于艺术多样性有着追求的人。《篷车队》讲述了一个穷途末路的电影明星希望能在百老汇的舞台上东山再起,然而实际上却面临了另一种尴尬。导演需要排一出莎士比亚经典的舞台剧,然而对于这位曾经的电影明星来说,这样的舞台剧限制了他的发挥,因为不会芭蕾舞表演,他原本的表演也无法正常发挥。愤怒之余,这位电影明星怒斥了导演的循规蹈矩,愤而离席。被电影明星所批评的一个女演员收到嘱托来代表所有人给这个电影明星道歉,然而在交流的过程中,电影明星逐渐的理解了所有人的苦衷,他甚至跟这个自己原本并不喜欢的女演员建立了某种暧昧的关系。于是,电影明星重新回到了剧组,并开始了自己的表演,然而事实却很难回避,这出戏剧失败了,失败的原因是没有新意。剧组的所有人重新回到了沮丧的情绪当中,电影明星见状突发奇想,我们可以根据自己的兴趣来重新编排一部舞台剧,我们无需遵循经典,不用沿着原有的舞台剧的框架来编故事,是不是会更好,众人被这个想法惊呆了,且很快的纷纷称赞遵从,于是,一出别具一格的舞台剧开始了自己的巡回演出,再进行了很多次大获成功的巡演之后,这出舞台剧被认为是成功的。电影明星的思路也得到了大家的认同,原本濒临解散的剧组也重获新生。《篷车队》带领着我们品味的是经典,与此同时,它的戏中戏的内容也在预示着舞台剧在上世纪的发展脉络。原本的舞台剧遵循的是经典的名目的不断地演出来获得声誉。然而在电影事业不断发展的上世纪五十年代,舞台剧逐渐的没落了,没落了的舞台剧不再能撑得起原本属于自己的观众群体,于是,如何创新,如何才能更好的留住观众这成了每一个剧组的负责人需要考虑的问题。本片给出了一种思路,这种思路之下,是将原有的舞台剧与电影相融合,使之不再遵循着原有的经典框架讲故事,而是跳出了这个框架之外再去看看有没有别的可能。这首先是在故事的编撰之上的一种创新,这种创新使得舞台剧原本的严肃的氛围被打破。电影明星原来被要求出演的是莎士比亚的经典戏剧,虽然这是一出经典喜剧,但是要想带给观众不一样的东西实在是太难了,对于一帮照猫画虎的人来说,这种困难一方面牺牲了自己的优势,另一方面将自己的劣势和盘托出,这样的表演很难获得成功。而改良后的整个剧组演绎的是自己的故事,是自己即兴的故事,这种故事很大程度上来源于演员们自己的生活,这种来源就决定了演员们在出演的时候是可以做自己的,是可以用自己最舒服的方式或者最适合的表演来诠释内容,这样一来,演员们的发挥就很开放了。而舞台剧本身也就不拘一格了,这对于演员来说是好事情,这对于观众来说亦是如此,因为没有了参照物,看到的是新鲜的故事,观众们对于好坏的评断就没有了依据,演员们的发挥就不受任何的影响了。当然,质量依旧是基础,但是在开放的创作形式之下,我们所看到的都是各种新鲜的血液不断地融入到舞台剧中,不断地丰盈着舞台剧的形式,这对于一个经典的艺术表达方式来说是促使其不断成长的动力,这当然是一种不错的思路。因此,《篷车队》作为一部上世纪五十年代的影片,它所具备的核心观点就是如何让传统的艺术形式焕发出来新的生命力,答案就是不拘一格,这不仅仅是对于舞台剧来说,更是对于任何形式的表演而言的。当我们开放包容本着一颗接纳吸收的心来对待艺术的时候,我们的艺术形式就是生机勃勃的,相反,如果我们将艺术归结于某一种固定的类型且一次作为约束的时候,创作者为了获奖便不住的朝着这个固定的形式发起冲击,这对于艺术而言是一种灾难。然而今天的很多创作者们却乐此不疲,这无疑是一种讽刺。 6 ) La La Land 看完了。這電影看過了嗎?1953年 The Band Wagon 龍鳳花車 (觀後感)
La La Land 看完了。這電影看過了嗎?1953年 The Band Wagon 龍鳳花車 (觀後感)
片名:The Band Wagon 龍鳳花車/蓬車隊/龍鳳香車
美國上映:1953年7月9日
香港上映:1954年6月24日
導演:Vincente Minnelli (1903-1986-USA)
編劇:Betty Comden , Adolph Green
演員:Fred Astaire(1899-1987-USA), Cyd Charisse(1921-2008-USA),
Oscar Levant(1906-1972-USA)
美高梅出品!
它必屬佳品!
The Band Wagon 龍鳳花車 歌舞片
精彩絕倫!
如果這樣形容我的觀後感,會令想看的朋友過多期望嗎?
那麼,我含蓄一點吧!
這齣電影由 Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) 美高梅 製作的歌舞片。
是很值得看的。
2016年電影 的 La La Land 星聲夢裡人,受到一眾電影迷非常關注。
令人再次重拾歌舞片情懷。
電影裡面大量重溫經典懷舊畫面。
其中的,就是出自這一齣 (The Band Wagon 龍鳳花車)了。
我先說一下劇情簡介:
一個過氣窮途又潦倒的電影男明星,眼看周邊明星大紅大紫,自己過著游手好閒的生活,心裡酸溜溜不是味兒。
雖然今非昔比,但老明星始終人脈廣闊。
他應邀老友編劇演出舞台劇(現代版 浮士德)。
機會來了,他最希望是能夠在百老匯舞台上東山再起。
當然,這並不是他想像般容易。
別人要他改變形象,說來容易,稍為亂放東西在自己身上,只會變得不倫不類。
一個舞台劇的成果,最重要還是人。
可是他又跟女拍擋鬧不和。
戲份輕重問題、尊重問題,總之有問題...
從電影裡看電影,這個題材適合任何一個年代的。
這齣戲一開場已經吸引我,不用緩衝自己的情緒。
我喜愛看到這些時代背景,而且是美高梅製作的歌舞片,是有基本水準的。
(戲中戲)這個題材,是適合任何一個年代的。
電影一開場已經吸引我了,不用緩衝自己的情緒。
我喜愛看到這些時代背景,而且是米高梅製作的歌舞片,是有基本水準的。
一齣成功的歌舞片,(歌)和(舞)是最基本滿足觀眾的需要。
先說(歌)的部份
The Band Wagon 龍鳳花車 開場不久,男主角 Fred Astaire 便開腔歌唱。
他其實是一位出色的舞者、編舞家。
所以,我有心理準備他表現不過不失已接受的。
但意料之外,他擁有一把悅耳的聲音。
這是天賜給他的禮物。
先天的的條件,盡管配上不優美的旋律,也足以令人投入地聆聽他。
Pic-7
再說(舞)的部份
說明 Fred Astaire 是舞蹈家,這齣電影當然不會失色吧!
對比歌曲部份,更令人賞心悅目。
記得,這是1953年的電影,是 64年前的舞姿。
整體的表現非常好,看著手舞足蹈的他們,歌舞編排都極為精美巧妙,各種步法和創意層出不窮,但又不會令人眼花繚亂。
大量的舞姿,大量的經典。
看著每一幕的經典舞蹈,彷彿在那裡看過,似曾相識的。
這是典範!
所以多年後依然成為參考對象。
這齣電影展示出大量的華麗衣服、瑰麗堂皇的背景道具。
看到一大班人的服裝、髮型、飾物,再配合整個環境,顯示繽紛色彩,
舞台
電影的舞台設計,不論是服裝、道具、顏色配搭也非常精細。
每一幕的時間點到即止,不斷轉換背景,幕幕精彩!
可謂不惜成本,動用大量人力物力。
我需要總結一下...
這齣電影極盡視聽之娛!
除了歌舞表演之外,對於後台生活也有豐富而生動的刻畫,故事也完整而流暢。
回想起依然回味...
夢工場...
導演
多謝你看了這篇小文章。
如果覺得不錯,希望得到你們的贊賞。
因小小的贊賞,能給我大大的動力。
感謝!
文goods_hk @東加豆
(tonkabean@ymail.com)
男女主角没化学反应,歌舞也没啥特别亮点,戏都被那个神经病导演抢掉了。。我觉着导演之前被设定为荒谬可笑的浮士德文艺歌舞主意挺好的。。改为永远的王道歌舞太保守无趣了。。男主在on the beach里面很可爱的,这里角色所限略扁平。。
MJ的某只MV就是抄袭的Band Wagon
FredAstaire身上散发出的古典优雅太有派了,而片子抖落演艺界无常的那点儿私货,也是正统的好莱坞腔。歌舞部分挑不出瑕疵,特别是最后的纽约巡演,竟然用歌舞重构了一场黑色电影。
上映之时阿斯泰尔年过半百,可你知与之共舞两段演导演的杰克·布查楠多大岁数?六十二!影片主题承接一年前的玉女奇男,魔鬼导演好像柯克道格拉斯的狂人制片,初始印象甚至更为不佳,没认出舞王,对歌舞不敬,自我为中心。可很快褒贬转向:新老明星台上幕后各种性格缺陷,比个头,没自信,被激将,自我专业设限,无法与时俱进……要克服这些刚好需要导演的野心爆棚大胆探索。尽管途中“浮士德音乐剧”以失败告终,老舞王新女神接管影片上扬势头,但观众已接收到重要讯息:没有导演就没有后面这一切。包括可能深刻影响杰克逊的黑色犯罪歌舞剧——不过那显然非剧是影,因为剧场里不可能看到蒙太奇大特写。换言之,明奈利并没把习惯思维居于反位的制片人彻底否定,相反他会凸显其立项创意艺术整合商业运作等层面上的重要性。甚至还包括知错就改的性格魅力!
爱乐之城的原版,色调迷人,故事饱满。
惊艳。擦皮鞋和夜晚公园的长镜头,赛德·查里斯那野性有力的双腿,还有女演员们的裙子。
能与《雨中曲》比肩的歌舞片,很多时候真想身处拍片现场,看看如此精妙的场景是如何拍出来的,摄影机的移动让人叹为观止,布景也是想象力爆棚了,高潮戏居然将歌舞片与黑色电影结合,无疑宣告了好莱坞要告别战后的阴影走向新时代的欢歌燕舞,剧情和歌舞场面也结合得极好,歌唱中进行叙事
太精彩了!和《西区故事》《红男绿女》并列我最喜欢的三大歌舞片。弗雷德.阿斯泰尔 当之无愧的舞王
大多数时候,《篷车队》都只达到了米高梅歌舞片的平均水准,这意味着影片的编舞、服化道、情节、摄影等都做得十分扎实,虽然不出错但也没有让观众眼前一亮的创意。但结尾处的悬疑“戏中戏”则将影片拉到了经典作品的水平。这段“戏中戏”的出彩不只在于其巧妙的编舞、风格化的布景,更在于其充满灵感的构思:它通过戏仿好莱坞经典黑色电影的方式,解构了歌舞片甚至是好莱坞类型片一贯的夸张风格,也就是用荒诞解构了荒诞,由此呈现出的机敏与幽默可谓力量十足。 PS:片中男女主角的公园舞蹈显然是《爱乐之城》的灵感源之一。
http://v.youku.com/v_show/id_XMzE0NTQ4MzY=.html
三星半。舞蹈部分很有想象力,故事部分就差强人意。
浮士德不爱看,还是枪战美女男欢女爱能赚钱。
相比较琴逑,Cyd以更为宽广的舞技在为女星获得了更为主动的地位,那双野性、有力的双腿让人叹为观止。前败后胜的演出似乎是好莱坞的创作宣言。和黑色电影的结合虽然还只是歌舞不参与叙事,但无疑为后来的歌舞片讲述复杂和不那么欢乐的故事打开了一扇门。
歌舞片 × 黑色电影 太惊艳了吧,如果不是段落而是一整部电影就好了!
阿斯泰尔扮演的过气老歌曲明星,和本片拍摄时代1953年,也就是制片厂制度崩溃,歌舞剧在消亡年代重叠,在文本内外形成了完美互文关系。老明星东山再起的happyending,却无法挽回歌舞剧从电影史舞台退出(看了原片才知道,《爱乐之城》在公园里双舞的模仿致敬,简直就是不堪入目。
歌舞片要的就是迷人,戏中戏更是厉害,如《雨中曲》一样以幕后为背景,场景设计再次继承表现主义的遗风。剧本大赞,男女主角初遇一幕的巧妙的双线对位,实在有意思,本作关于“娱乐”和“严肃”艺术之间关系的探讨也很深刻,艺术不在于刻意追求,中央公园那场曼妙的双人舞告诉观众艺术之美处处存在。
明奈利不算顶高明的导演,可他令人愉悦。
超好看,既有传统温馨系的歌舞场景,又有前卫的压轴大戏(Girl Hunt Ballet真是看得人热血沸腾)。歌舞场景与剧情推动结合紧密,编舞和拍摄都没得挑。原来我喜欢的歌舞片都是以幕后制作为背景的: 雨中曲,All that Jazz...
文森特·明奈利代表作,毫不逊色于[雨中曲]。1.阿斯泰尔本色出演,戏中戏,呈现百老汇歌舞剧的台前幕后。2.流畅摇臂运动长镜:Shine on Your Shoes. 3.叙事与歌舞完美交融,仿黑色电影舞剧[Girl Hunt]惊艳到难以形容。4.中央公园双人舞[Dancing in the Dark]。5.[Triplets]用了装在膝盖的假腿。(9.5/10)
是一个很有意思的文本,松散,拼贴,自我指涉,后经典好莱坞时期的文本,印象深刻的不是歌舞,而是男女主人公无言地穿过夜晚公园的那一段,无情节意义却很有氛围的一场戏,有点现代电影的意思,还有一个地方有意思的是,雨中曲和这部片子都用歌舞片的形式戏仿了黑色电影。